【フル歌詞付き】みずいろの手紙 - あべ静江【ピアノver. / Covered by saya】 

オディロン・ルドン （Odilon Redon、1840年4月20日（4月22日とも） - 1916年7月6日[1]）は、19世紀後期から20世紀初期にかけて活動したフランスの画家である。本名はベルトラン＝ジャン・ルドン（Bertrand-Jean Redon）。ボルドーで生まれ、同地及び近郊の町で育つ。 生涯 オディロンは、1840年4月20日、南フランスの大都市ボルドーで生まれた。ファーストネームの第一構成名「ベルトラン」は、父ベルトラン・ルドン（Bertrand Redon)）のファーストネームを引き継ぐ形で命名された。しかし、もっぱら用いられたのは母マリーの通称「オディーユ (Odile)」に由来する愛称「オディロン (Odilon)」で、自他ともに終生この名を用いた。裕福な家庭であったが、生後2日目にしてボルドー近郊の町ペイル＝ルバード（Peyre-Lebade、シャトー・ペイル＝ルバード）へ里子に出され[2]、11歳までの少年期を寂しい田舎の地で親元を離れて過ごしたとされる。病弱で内向的な子供であったという。子供の頃から絵を描き始めるが、父親の意向もあって、建築家となるべくエコール・デ・ボザールの試験を受ける。しかし合格することは叶わず、建築の道は諦めざるを得なかった。なお、弟のガストン・ルドン（英語版）は長じて建築家となり、世に作品を残している。 20歳の頃、植物学者アルマン・クラヴォー（Armand Clavaud、1828-90年）と知り合い、顕微鏡下の世界に魅せられるようになる。のちにオディロンが制作した版画には植物学の影響が見られる。版画集『夢の中で』はクラヴォーに捧げたものであった。 1864年、パリに出てジャン＝レオン・ジェロームに入門するも、数か月でやめ、ボルドーに戻って放浪のボヘミアン画家として知られた銅版画家ロドルフ・ブレダン（英語版）の指導を受ける。また、1878年頃にはアンリ・ファンタン＝ラトゥールから石版画（リトグラフ）の指導を受けている。 1870年、普仏戦争に従軍。1872年からパリに定住する。1879年、初の石版画集『夢の中で』を刊行した。 1880年、若いクレオールの女性カミーユ・ファルテ（Camille Falte）と結婚。1882年には、ル・ゴーロワ（英語版）新聞社で木炭画と版画による個展を開催している。また、ユイスマンスらに注目されている。エドガー・アラン・ポーの作品を意識した2番目の石版画集『エドガー･ポーに』を刊行したのも、この年であった。 1886年には待望の長男ジャンが生まれるも僅か半年で夭折し、落胆したオディロンの画風は以前にも増して鬱々としたものになっていった。しかし、3年後の1889年に次男アリが生まれたことで、オディロンの人生模様は一変する。画業についても1890年頃から作風が大きく変化し、豊かな色彩を用いるものになった。 1904年、65歳の時には、レジオンドヌール勲章の受章者になった。1913年には、米国のアーモリーショー（米国におけるヨーロッパ現代美術紹介の展示で、マルセル・デュシャンも出品していた）で1室を与えられ、展示した。 1916年、第一次世界大戦が激化する中、兵士として招集されていた次男アリが消息不明になってしまい、ルドンは高齢の身をおして各地を探し回ったが、無理が祟って風邪を拗らせ、パリの自宅で死去した。なお、アリはその後生存が確認され、1972年に83歳で死去した。 題材と作風 オディロン・ルドンは印象派の画家たちと同世代であるが、その作風やテーマは大きく異なっている。光の効果を追求し、都会生活のひとこまやフランスのありふれた風景を主な画題とした印象派の画家たちに対し、ルドンはもっぱら幻想の世界を描き続けた。象徴派の文学者らと交友をもち、象徴主義に分類されることもあるが、19世紀後半から20世紀初頭にかけてという、西洋絵画の歴史のもっとも大きな転換点にあって、独自の道を歩んだ孤高の画家というのがふさわしい。 初の石版画集『夢の中で』の頃から当時の生理学や科学が投げかけていた疑問・問題意識である不確かな夢や無意識の世界に踏み込んだ作品を多く発表した。それらは断頭や目玉など、モノクロの版画であることもあって絶望感もある作品群であるが、人間の顔を具えた植物のようなものや動物のような顔で笑う蜘蛛など、どこか愛嬌のある作品も描いた。 鮮やかな色彩を用いるようになったのは50歳を過ぎてからのことで、油彩、水彩、パステルのいずれも色彩表現に優れているが、なかでも花瓶に挿した花を非常に鮮烈な色彩で描いた一連のパステル画が知られる。 日本国内では岐阜県美術館がルドン作品を数多く所蔵している。 代表作 眼＝気球(1878) ニューヨーク近代美術館蔵 自画像（1880）オルセー美術館蔵 蜘蛛（1887）岐阜県美術館蔵 閉じた眼（1890）オルセー美術館蔵 シタ（1893）シカゴ美術館蔵 キュクロプス（1898-1900頃）クレラー・ミュラー美術館（オッテルロー）蔵 丸い光の中の子供（1900頃）新潟市美術館蔵 オフィーリア（1901-02頃）岐阜県美術館蔵 仏陀（1904）オルセー美術館蔵 オルフェウスの死（1905-10頃）岐阜県美術館蔵 ペガサスに乗るミューズ（1907－10頃）群馬県立近代美術館 トルコ石色の花瓶の花（1911頃）個人蔵 版画集 黙示録（1899年）

アンリ・マティス （アンリ・マチス、フランス語: Henri Matisse, 1869年12月31日 - 1954年11月3日）は、フランスの画家。フォーヴィスム（野獣派）のリーダー的存在であり、野獣派の活動が短期間で終わった後も20世紀を代表する芸術家の一人として活動を続けた。自然をこよなく愛し「色彩の魔術師」と謳われ、緑あふれる世界を描き続けた画家であった。彫刻および版画も手がけている[1][2]。 生涯 マティスの実家のファサード 1869年、フランス・ノール県のル・カトー＝カンブレジ (フランス語 Le Cateau-Cambrésis) に、豊かな穀物商人の長男として生まれる[3]。その後一家はピカルディ地域圏のボアン＝アン＝ヴェルマンドワへと移動し、彼はそこで育った。1887年、父の命でカトー＝カンブレジの裁判所の管理者の資格を得るためにパリへと出て法律を学び、翌年法科資格試験に合格した。その後しばらくはサン・カンタンの法律事務所の書記として働いた[4]。 1889年、盲腸炎の療養中に母から画材を贈られたことで絵画に興味を持った。後に本人のいうところでは「楽園のようなもの」を発見した[5]マティスは、画家に転向する決意をする。この決意は父親を非常に失望させた[6][7]。まず1891年にパリの私立美術学校であるアカデミー・ジュリアンに入学し、絵画を学びつつ官立美術学校であるエコール・デ・ボザールへの入学を目指した。ボザールへの入校は許可されなかったが、熱意を評価した教官ギュスターヴ・モローから特別に個人指導を受ける事ができた。この時、ボザールに入校してモローの指導を受けていたジョルジュ・ルオーとは生涯の友情を結ぶ。1896年に国民美術協会のサロンに4点出品、うち1点は国家買上げとなる[4]。 カンブレジ地方の田園風景 1898年にはアメリー・パレイルと結婚した。同年、印象派の画家カミーユ・ピサロの勧めを受け、ロンドンでターナーを研究した[4]。 マティスの初期の作風は写実的なものを志していたが、次第にポール・セザンヌ、ポール・シニャック、フィンセント・ファン・ゴッホ 、ポール・ゴーギャンら後期印象派の影響を受け、自由な色彩による絵画表現を追究するようになる。『緑のすじのあるマティス夫人の肖像』（1905年）、『ダンスI』（1909年）など、大胆な色彩を特徴とする作品を次々と発表し、モーリス・ド・ヴラマンク、アンドレ・ドランらと共に野獣派と呼ばれるようになった[8][9]。しかし、フォーヴィスムとしての活動は1905年からの3年ほどで、それ以降は比較的静謐な作品を描くようになる。 1910年代に入ると、幾何学的構成による抽象的・構築的傾向が見受けられ、キュビスムの影響や、第一次世界大戦による厳しい内省的感情の反映が見受けられる[4]。 1917年から30年ごろにかけては、おもに南フランスのニースを制作の場として活動。この時期、優美で官能的なオダリスクをはじめ、開放的な作品を制作。通常この頃のマティスの活動は「ニース時代」と区分される[4]。 アンリ・マティス 1933年 線の単純化、色彩の純化を追求した結果、切り絵に到達する。マティスにとってはさみは鉛筆以上に素画に適した道具だったのである。『ジャズ』シリーズなど切り絵の作品を多数残している[注釈 1][10]。 晩年、南仏ヴァンスのドミニコ会修道院ロザリオ礼拝堂の内装デザイン、上祭服のデザインを担当。この礼拝堂はマティス芸術の集大成とされ[4]、切り紙絵をモチーフにしたステンドグラスや、白タイルに黒の単純かつ大胆な線で描かれた聖母子像などは、20世紀キリスト教美術の代表作と目される。 また、緑好きが高じて一風変わったアトリエを作った。テーブルの上に所狭しと並べられた多様な花や、身の丈を越す巨大な観葉植物など、植物園のようであった。さらに大好きな鳥を多い時には300羽も飼っていたと云われている。草花が満ち溢れ、鳥たちが憩うアトリエから数々の傑作を生み出した。巨匠が晩年辿りついた癒しに満ちた世界。名画誕生の舞台となった緑いっぱいのアトリエであった。 腸の手術によって体力がなくなっていったマティスは、油絵から「切り紙絵」へと制作手法を変更した。アシスタントに色紙を作ってもらい、はさみで切り抜いて作品を作り上げた。体調の変化で作品にも変化が現れ、自然から受ける感覚、感触をダイレクトに現すようになった。花や植物から感じる安らぎを心の目で見て、はさみを使い生命力を感じさせる原色の切り絵に投影していった。 1954年11月3日、アンリ・マティスはニースで心臓発作の為死去した[4](84~85歳没)。 日本での展示 1951年上野国立博物館で「マティス展」が開かれた。ヴァンス礼拝堂の雛形や下描き、晩年の単純で豊かな絵画など彼の仕事の清華が輝く目覚ましいものだった。 2004年に日本の国立西洋美術館ほかで大規模なアンリ・マティス展が開かれた[11]。作品は初期の絵画から晩年までにわたり、制作作業を収めたドキュメンタリーフィルムも公開されている。 代表作 詳細は「アンリ・マティスの作品リスト（英語版）」を参照 『ブーローニュの森』（1902年）、プーシキン美術館 『豪奢、静寂、逸楽』（1904年-1905年）、オルセー美術館 『緑のすじのあるマティス夫人の肖像』（1905年）、コペンハーゲン国立美術館 『赤のハーモニー』（1908年）、エルミタージュ美術館 『ダンスI』（1909年）、ニューヨーク近代美術館 『ダンスII』（1910年）、エルミタージュ美術館 『金魚』（1912年）、プーシキン美術館 『ナスタチウムと「ダンス」』油絵/カンヴァス（1912年）、メトロポリタン美術館 『画家の娘』（1918年）、大原美術館 『模様のある背景の装飾的人体』油絵/カンヴァス（1925-26年）、国立近代美術館（ポンピドゥー・センター） 『トルコ椅子にもたれるオダリスク』油絵/カンヴァス（1927-28年）、パリ市立近代美術館 『音楽』（1939年） 『ルーマニアのブラウス』油絵/カンヴァス（1940年）、国立近代美術館（ポンピドゥー・センター） 『眠る女と静物』油絵/カンヴァス（1940年）、ナショナル・ギャラリー 『夢』（1940年） 『ジャズ・サーカス』（1947年）、ニューヨーク近代美術館 『赤い室内、青いテーブルの上の静物』油絵/カンヴァス（1947年）、ノルトライン＝ヴェストファーレン州立美術館 『大きな赤い室内』油絵/カンヴァス（1948年）、国立近代美術館（ポンピドゥー・センター） 『エジプトのカーテンのある風景』（1948年） 『上祭服』 (1950年頃)、ニューヨーク近代美術館 [12] 『ブルー・ヌードII』切り紙絵（1952年）、国立近代美術館（ポンピドゥー・センター） 『インコと人魚』切り紙絵（1952年） 『スイミング・プール』切り紙絵（1952年） 『花と果実』切り紙絵（1952-53年） 『舟』切り紙絵（1953年） 近年の文献 『マティス　画家のノート』二見史郎訳、みすず書房、新版2023年ほか 『マティスとルオー　友情の手紙』ジャクリーヌ・マンク編、後藤新治ほか訳、みすず書房、2017年 ヒラリー・スパーリング『マティス　知られざる生涯』野中邦子訳、白水社、2012年 フランソワーズ・ジロー『マティスとピカソ　芸術家の友情』野中邦子訳、河出書房新社、1993年 ハイデン・ヘレーラ『マチスの肖像』天野知香訳、青土社、1997年 『アンリ・マティス作品集』米田尚輝解説、東京美術、2023年