結局のところ「アベイラブル・ノート・スケール」って　どうなのよ！？ 

最高でした。僕もずっと疑問に思っていました。 この動画でめちゃめちゃ腑に落ちました！ありがとうございます！ ローピンも絶対買います！ウーピンも愛用しております！

何のことか、さっぱりわからなかったですが available noteなので「使えますこの音このスケール」で、そういう単語の意味だとわかりました。解説よくわかります。有料級？かもですね。ありがとうございます。

矢堀さん、ギタリストとしてとても面白い話です。 ありがとうございます。

矢堀さん、お久しぶりです。 中々意義のある動画で。 矢堀さんのこういうところ、すごいなと思います。 長年、某音楽学校で理論教えてましたが私は「これはポップスやる時の理論だよ」と教えていました。 アドリブするためのものとは教えてなかった。 ドリアンとかは単にダイアトニック・コードのテンションとかを見やすくするために「メージャー・スケールをコードのルートから並べて書いたもの」として教えていました。 こうするとコードトーンが全部スケールの1、３、５、７にきて間にくる音がアボイドかテンションと見やすい、というだけのものと。 私が最初に講師になった時の最初の理論講師の会議で「Key=CのEm7(その某学校ではE-7と書け、と決まってました。面倒くさ。)でどんな音を使うか？」という話で。 ある人は「9th使いたいからエオリアンっぽく」とか。 確かにこのシチュエーションでは9th使うとJazzっぽく聞こえます。 でもポップスやる時にⅢm7で9th使ったら外れて聞こえる訳で。 だからこれはアドリブをするための理論ではないんだな、と理解しました。 オルタードは、「５度はないけど弾いちゃいけない訳じゃなくて#11、完全５度、b13と並べると半音が連続して単にスケールとして考えた時に扱いづらいので」と教えてましたし、講師間でもそういう話になってました。 「理論は時代とともに変化していくものここでダメとされているもの明日の理論になる。破るためのもの。」と教えてました。 長くなってしまいましたがアベイラブル云々はアドリブするためのものではなく、という風に私は教えていました。 実際自分で弾く時にはこういうアベイラブル・ノート・スケールは考えてないけど染み付いてしまっています。 スケールはあまり考えて弾いてないですね。 だらだらとすいません。

何年も何年も遠回りして気付けた事が間違いじゃなかったんだと自信になりました。 有益な動画をありがとうございます。

お話とても興味深かったです。コードトーンの呪縛から解放されそうな気がしました。練習してみます。

この動画は熱いっすねー、凄く伸びそうな感じがすると、公開1時間未満の時点ですが予想します！

正に仰る通り。もともとこのAvairable Note Scale はプレーのための方法論ではなく、あるコード上におけるメロディーをどうハーモナイズするかという、アレンジのためのメソッド。時間的制約のないアレンジと違って実際のプレーでは、やって来ては通り過ぎるコードに適合するスケールをそれぞれのルートから起算するというのは現実的ではないですね。

「仏の顔も三度まで」💡 有り難い何かを示唆されるのかと思ったら😳🤔、 ただのオヤジギャグだった🤣😂 矢堀さんの「ジャズギターの常套句」 当時は一応弾けても（当て嵌めとして）実際に使える様には全然ならなかったorz んですが、 その後、何度も同じ様なフレーズに出会って、その都度弾いている内にそれなりに使える様になって来ました♪。 時間⏳がかかる作業なんだなぁ、と実感しております。

ベース持って見てます。 役に立つ日が来ることを信じて(ﾟ∀ﾟ)

鍵盤奏者ですが、全く同じ考えだったのでなんだか嬉しい&安心しましたw 本来チャーチモードは通常の長短調以外の調性世界の母体となるスケールであって、それを通常の長短調の世界の中でのアドリブのためのスケールとして持ってきたことが多くの混乱を生んでいるのだと思います。 「IM7の時にリディアンが使える」っていうより「IM7に#11thのテンション入れるとなんかカッコイイからアドリブする時にその音を使ってみよう」っていうほうがスッキリします。

とするとついついコード進行忘れてロストしちゃって困ってました‼️(笑) 勿論ロック出身だからトーナリティー1発でペンタ一発に9やフラット5 足して弾いてましたが やっぱりコードアルペジオも大事かなとか(笑) 今でも色々やってます‼️(笑)

ずっとはっきりしなかった事がまあわかったような気がしますが、なぜこれが何十年もほったらかしになっていたかの方が興味あります。才能のある人はこんな事自然にできるからなのか、教えたくなかったのかとも思います。

スローテンポはアベイラブルでやったり、ファストならメジャースケールを少し変化させるほうで弾いたりしてます。私の場合はそれぞれ一長一短に感じます。

私はコード毎にスケールを割り当てて弾いています。ですが、コード音と特性音、アプローチノートを弾こうとして、音数が小節内に収まらず、演奏が破綻しがちで、今、直そうとしています。 悩んで考えた結果、スケール云々よりも基となるコードが肝で、そのコードがメロディに基づいたものなのか、アドリブしやすいようにツーファイブ化したものなのか、もっと言うと演奏者自身がしっかりとイメージしたものを弾くことが重要なんだという結論に至りました。 あと、感じ悪い方の演奏を聴いていると、フレーズの歌わせ方がロックやフュージョンぽく、それも大事なのではないかと思っています。

これ見ただけでスゲー頭良くなった気がする

平成の後半以降、特に日本だけの特殊な現象で「本当にジャズがわかっている」という言葉の定義が変わってしまった事に非常な悲しみを感じます。 シュリンガーシステムのバークリー理論通りでなければジャズと呼んではいけない。バークリー理論で行くと幼稚な音遣いだからスイング以前のジャズは今ではジャズの範疇には入らない。という定義の仕方です。 ビッグバンドでコード表記のある譜面を見ながら短いソロを執る場合ならそうでもないかもしれないのですが、暗譜で非常に長いソロが要求されるコンボのライブの場合、ぶっちゃけ「指定されたコード」に基づく「アヴェイラブルノートスケール」を、「守りなさい！」というジャズ教育の指導の仕方に何の意味があるのか？と感じます。 なぜならば、ジャズの基本はドラマーを除くパーソネルの全員が、それぞれその場でリハモすることが大前提ですよね？ 更にもっと突き詰めると結局、アドリブとは「ハモった者勝ち」の世界ですもんね？ アヴェイラブルかアヴォイドかは、辞書（理論）が決めるものなのか？、奏者と聴衆が「イケてると感じる物」なのか？という根源的な問題になると感じます。 デキシー時代のブルーノートは、絶対にあってはならない「黒人奴隷の出す奇妙な音」でしたもんね？そのブルーノートもバップ時代には5度もフラットして良いことになる変貌を遂げました。 コンディミとオルタードの登場も、D.エリントンとS.ケントンを除くと基本バップ以降ですし。1960年代以降になるとアウトも「イケてる」事になってしまいましたもんね。 個人的にはモンクやドルフィを、バークリーではどのように説明しているのか非常に気になって居ります。

おもしろーい。勉強になります。

動画に「ゲスト出演」いただいた笹島さんの「アベイラブルノートスケール」についてのお話。是非ご覧ください！ ru-vid.com/video/%D0%B2%D0%B8%D0%B4%D0%B5%D0%BE-jPVdYOPeo1Y.htmlsi=u27-mTROZ4reWkVO

ピアノ弾きですが、最初によく分からないし、覚えるのが面倒だと思って、アベイラブルスケール？を無視して音源のみを頼りに20年以上弾いて来ました。笑 未だドミソしか考えてませんが、特に演奏するのに困りません👍 日本人は、物事を実際に体験せず、よく分からない知識と言葉に踊らされ易い民族なので、本質からズレてしまうんでしょうね。笑

ローピン奏法が気になります！

奥歯に挟まったChickenに届く爪楊枝のような講義。 行く手を阻む理論の壁を、要点だけ掻い摘まんで話してくれたので、考え方としては間違ってなかったんだと少し自信になりました。

いいね　私も渡辺かつみの本持ってるよ！ 今でもなんて不親切な奴だと思っています。同年代です。理系。

メジャースケールが12(key)あるだけ。結局そこに帰っていくんですよね。そうなるべきだと思います。